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Recuento, reflexión y resumen del Festival de Cine de Jardín (2019) y su tema central.

El patrimonio que acogió las historias y conversaciones sobre el patrimonio. Teatro Municipal Rafael Leonidas Velasquez Rojas. Foto: Simón Moreno, Semillero Óptico Audiovisual.

Jardín es uno de los municipios considerados patrimonio cultural del departamento de Antioquia. Precisamente allí, en medio de monumentos, arquitectura colonial y manifestaciones tradicionales antioqueñas, se desarrolló el Festival de Cine que propuso como tema central el patrimonio desde sus diferentes acepciones: cine y patrimonio maneras de encontrarnos. La muestra central estuvo conformada por doce producciones extranjeras, que llevaron al espectador a revisar otras construcciones culturales, a entenderlas y a conocerlas. De ahí, uno de los aportes más valiosos de la inclusión de largometrajes extranjeros: el encuentro con la identidad y valor cultural de otras latitudes.

La pregunta por el patrimonio es también la reflexión alrededor de la identidad y la memoria. Por esto, acercarse a realizaciones extranjeras, implica un encuentro con la narrativa social, histórica y cultural de otros. Este ejercicio de aproximación permite además, el pensar en lo propio; situarse ante el otro es también mirar hacia adentro. El cine y el patrimonio son, entonces, posibilidades de encuentro.

Sueño en otro idioma (2017), del director Ernesto Contreras, es una ficción mexicana, con un argumento que señala el problema de desaparición de las lenguas nativas indígenas y, aunque el Zikril se haya creado exclusivamente para la película, la preocupación es real. Ahí, se hace evidente la complejidad de conservación del patrimonio inmaterial. Más aún, cuando se trata de las lenguas y conocimientos de los pueblos indígenas, pues ahora hay tendencias de migración urbana que los deja lejos de sus asentamientos al tiempo que se pone en riesgo la conservación de sus tradiciones.

El largometraje muestra el intento de un lingüista por conservar el Zikril, lengua que solo hablan dos hombres, y en esta búsqueda se da cuenta de secretos y odios entre los últimos hablantes. Los planos abiertos y magníficos de la selva virgen de Veracruz llegan al espectador desde el punto de vista del visitante de la comunidad, de modo que hay un mutuo descubrimiento y asombro por el universo de estos aborígenes.

Otros largometrajes que expusieron esta problemática fueron Jinete de ballenas (2002) y Del palenque de San Basilio (2003). El primero, muestra cómo es crecer en la comunidad Maorí, de Nueva Zelanda, y cuestionar sus costumbres. A partir de un relato bajo el género coming of age, se muestra el encuentro entre las generaciones más modernas y antiguas de una comunidad nativa. Del palenque de San Basilio, documental colombiano, revisa el legado cultural de los pueblos africanos en la comunidad palenquera de San Basilio. Estas dos producciones, junto con Sueño en otro idioma, corresponden a la indagación por la desaparición del patrimonio inmaterial.

El museo, como espacio por excelencia de la preservación del patrimonio, también fue tenido en cuenta en la selección con Horas de museo (2012), por ejemplo. Este es un largometraje de ficción que muestra la labor diaria del guardia del Museo de Viena, personaje que comparte con los visitantes sus pensamientos sobre el arte y, sin esperarlo, se encuentra con el amor. En esta película el patrimonio cultural tangible, como lo son la arquitectura de la ciudad y las piezas de arte que se encuentran en el museo, son los ejes de la narrativa. Johann, el guarda, habla en varias ocasiones de su fascinación por la sala que conserva la obra del pintor flamenco Brueguel, al tiempo que observa a los visitantes y se da licencias imaginativas sobre sus vidas. Viena también aparece como el gran escenario contemplativo. Es un museo enorme y habitado.

La película es una pieza sensible y contemplativa, una prolongada reflexión sobre el arte y la humanidad misma ante él. La imagen de los visitantes desnudos al frente de diferentes pinturas, que de modo nada casual también retratan la desnudez, es quizá la elección narrativa con más fuerza estética y simbólica de la realización. Por su parte, Museo (2018), de Alfonso Ruizpalacios, es un largometraje de ficción mexicano que tiene como elemento central la pieza patrimonial expuesta en un museo. El argumento es sobre dos jóvenes ladrones que roban más de cien artefactos mayas y la manera en que deciden el destino de estos. Los hechos se muestran desde un tratamiento audiovisual que mantiene una fotografía bien cuidada y ritmo narrativo sosegado.

En estas dos propuestas, queda adecuadamente esbozado el valor que tienen las piezas materiales de la cultura y su característica principal de patrimonio de la humanidad. Adicionalmente, Las horas de verano (2008) y Las cajas de España (2004), son las películas que complementan la mirada sobre la pieza artística; y cómo ésta contiene la historia y le habla a la humanidad sobre su paso por el mundo.

El cine es, en últimas, la posibilidad de narrar los patrimonios, al tiempo que muchas obras hacen parte del patrimonio de la humanidad. Es una posibilidad de apreciación y encuentro con lo más ajeno y lo más propio. No es exagerado decir que los archivos de Lumière nos pertenecen; esas imágenes son también parte de nuestra memoria personal. A pesar de que algunos largometrajes quedaron por fuera de esta mención, queda retratada la manera en que el criterio de selección del Festival estuvo empeñado en incluir todo tipo de relatos sobre lo patrimonial, que fueron el encuentro con el gran conglomerado de patrimonios de la humanidad misma.

Los actores Marcela Agudelo y Diego Álvarez en Visa USA (1986). Cortesía Mubi.

El nuevo Teatro Municipal de Jardín fue el escenario para proyectar uno de los filmes del invitado especial al Festival, Lisandro Duque. Visa Usa (1986) puso la conversación entre el público, por la limpieza de cada toma, por su guion y por el impacto que al público juvenil le producía al contrastarla con la mayoría de las producciones de comedia que se proyectan actualmente en el país. Es una película que, rodada hace más de 20 años, cuenta con una fotografía que retrata la época de los 80, sus calles, su vestuario, su arquitectura; lo que permitió que cada persona en la sala se sumergiera en una historia entretenida que, más allá de contar una historia de amor, hace crítica al anhelado y difícil sueño americano.

Visa Usa cuenta en su reparto con otro personaje invitado al festival: Vicky Hernández, quien actúa como la madre de la protagonista, Patricia, una mujer de élite que se enamora de su profesor de inglés, un joven de origen humilde llamado Adolfo, hijo de un avicultor que lo único que desea es viajar a los Estados Unidos y hacer su vida, mandarle remesas a su familia y cumplir el sueño americano.

Esta historia muestra los contrastes de las clases sociales en Colombia, entre las vidas de Patricia y la cotidianidad de Adolfo. Pero esto no impide que un romance entre ambos sea el hilo conductor, con el rechazo de la familia de Patricia y la tranquilidad de la vida diaria y las costumbres del pueblo vallecaucano donde suceden los hechos.

Dos aspectos se resaltan de la producción: el primero es la limpieza de cada fotograma y la calidez de los planos que produce un aire de familiaridad, pues detrás de cada escena se recorren las calles vallecaucanas y bogotanas, se muestra el contexto de la época a partir de la música, los encuentros sociales, la tecnología y la jerga, lo que hace de esta historia cotidiana una narrativa entretenida, emocionante e inolvidable. En segundo lugar, es un filme que no se aleja de la realidad de muchos jóvenes colombianos que, motivados por la desigualdad, ven como única oportunidad de desarrollo migrar al epicentro del capitalismo. Así, de manera satírica se retrata el deseo de los colombianos de radicarse en otra nación tras los conflictos internos que se viven día a día. Hay que resaltar que esta película fue rodada en una época difícil, con hechos como la toma del Palacio de Justicia, la tragedia de Armero y las incontables formas de violencia por parte de grupos ilegales, de terrorismo y narcotráfico.

Estos dos aspectos se complementan en la cinta de Lisandro Duque que, en el contexto de violencia del país y el afán de sus habitantes por salir de este en búsqueda de nuevas oportunidades, funciona como un respiro al contexto difícil y una burla al sueño americano, para demostrar que, en problemas como estos, una comedia puede ser entretenida y a la vez crítica. El discurso de Visa USA sigue vigente en la sociedad colombiana e invita a repensar qué lo hace válido tras más de tres décadas de presentarse por primera vez.

Si nosotros queremos conocer el territorio, nosotros mismos debemos honrar esa memoria y saber qué hay en nuestra comunidad para poder defenderlo

Julián David Nava Zuluaga, miembro de Producciones El Retorno.

La historia está compuesta en gran parte por discursos hegemónicos contados por citadinos que narran a las víctimas de las problemáticas en sus relatos. Producciones El Retorno es un grupo apoyado por la Asociación Campesina de Antioquia (ACA), quien por medio de su Escuela de Creación Audiovisual ha buscado darle un giro de tuerca a esta dinámica, haciendo que esos “otros” se narren a sí mismos y a su territorio, y con ello desdibujando esa imagen de víctimas que se les ha impuesto, para mostrarlos como los protagonistas y contadores de su propia realidad.

Esta propuesta audiovisual tuvo la oportunidad de mostrar tres relatos de su serie documental Memoria y Territorio (2015) en el 4to Festival de Cine de Jardín, en el que los realizadores César Daza y Julián Nava, realizadores documentales oriundos del municipio de San Francisco, junto con uno de sus guías en este proceso, hablaron sobre su proyecto.

Producciones El Retorno nació en el año 2003 a raíz de la preocupación que existía por el desplazamiento masivo en el campo y por la necesidad de los campesinos de volver a sus tierras. Desde entonces, El Retorno ha trabajado de la mano con estas personas para que se narren a sí mismas audiovisualmente, para recuperar el tejido social del sector rural.

Esta conversación con uno de los jóvenes realizadores del oriente antioqueño, Julián David Nava Zuluaga, ofrece una idea más amplia y cercana de este proyecto y de su significado para él y su municipio.

¿Cómo inició tu trayecto en este proyecto de Producciones El Retorno?

Me hicieron la invitación desde el área de comunicaciones de la Asociación para formar parte del proceso al ser un joven amante de los aparatos electrónicos. Inmediatamente dije que sí, ¿por qué no? Mis compañeros empezaron el año 2008, yo lo hice en el 2011; ellos duraron dos años sin tocar una cámara, estaban en talleres de formación; yo pude entrar grabando y solo con el conocimiento de saber qué era una cámara y para qué servía.

¿Qué ha significado para ti poder conocer tu territorio a través de la cámara?, ¿lo has visto diferente a través del lente?

Conocer el territorio a través de las cámaras me ha permitido entender no solo el espacio físico. He caminado las tierras de mis ancestros como en el documental Por las huellas de los abuelos (2013). Los jóvenes que fuimos conocimos los caminos que transitaban nuestros antepasados y nos dimos cuenta del esfuerzo que hacían para construir las comunidades a través de caminos lejanos y en una geografía difícil para caminar, inclusive para respirar.

He podido conocer el territorio a través de sus relatos. Las personas que están a nuestro lado tienen muchas historias por contar que no se conocen si no preguntamos y no investigamos cómo era todo antes y qué podemos aprender del pasado.

¿Cómo ha impacto este proceso de memoria audiovisual en el municipio?

Desde las comunidades nos hemos ido dando a conocer porque trabajamos con ellas y deben saber lo que hacemos. Vamos donde están, les contamos qué vamos a hacer y les hacemos proyecciones. Al principio las comunidades eran más reacias, nos decían “no me ponga esa cámara ahí”, “no me gustan estas cosas, ¿para qué?”, pero con el tiempo ha ido cambiando su forma de vernos, y ya hasta las mismas comunidades nos llaman, nos invitan a grabar, a proyectar una película, etcétera, y eso nos gusta.

¿Sientes que la gente del campo quiere contarse y trabajar la memoria?

Mi municipio está trabajando la memoria desde la Sociedad Campesina de Antioquia, específicamente desde el área de comunicaciones. Ha habido muchos procesos llevados a cabo a raíz de la violencia, pero siempre fue eso; se sabe que se ha perdido mucho tejido social y muchas historias por el conflicto armado.

San Francisco tenía una población aproximada de 12.000 habitantes y después del desplazamiento masivo pasó a tener solamente 4.000 habitantes. Muchas personas no lo saben, por eso el ejercicio de crear memoria es importante para las comunidades, porque no solo sirve para aprender, sino para que las nuevas generaciones puedan también conocer lo que pasó.

En el conversatorio mencionaste que no quieren hablar más en estos documentales sobre el conflicto, ¿por qué te parece importe que se hable o no se hable sobre violencia?

En cuanto a la guerra siempre va a ser importante recordar lo que pasó, la frase de “el que no conoce su historia está condenado a repetirla” es cierta, pero pasa que las comunidades muchas veces dicen: “Hey, no queremos ver más violencia, estamos cansados”, y nosotros hemos decidido optar por otros medios de memoria: conocer las historias que esconden las comunidades, los viejos, relatos como el que nos contaba una señora de cómo antes bailaban los hombres con los hombres y entre las mujeres no se veía, y que ahora las mujeres bailan igual. Yo nunca me hubiera imaginado a los hombres bailando entre ellos, yo los creía más conservadores, y si no nos damos a la tarea de contar estas historias, no podremos conocerlas.

Ustedes están haciendo el ejercicio de contarse desde el territorio, no por medio de alguien ajeno, ¿por qué es importante que ustedes mismos se narren y que se descentralice el cine para mostrarlo desde varios sectores?

Eso siempre nos lo hemos preguntado y hemos llegado a la conclusión de que son los de fuera, los de la ciudad, e incluso los extranjeros los que conocen más lo que hay en el territorio que lo que nosotros conocemos en realidad; por ejemplo, específicamente hablando de la biodiversidad, nosotros estamos acostumbrados a ver el mismo pájaro todos los días y se vuelve parte de la rutina, pero llega un extranjero y nos explica qué significa ese pájaro y su importancia, cosa que no sabíamos antes. Por eso, si nosotros queremos conocer el territorio, nosotros mismos debemos honrar esa memoria y saber qué hay en nuestra comunidad para poder defenderlo.

Si viene alguien de afuera, poder decirle que nosotros ya sabemos y entendemos cómo funciona nuestra tierra. No que vengan y nos llenen de talleres y hagan trabajos para alimentar su conocimiento, se vayan y nos dejen. Eso pasa, dejan las comunidades, por eso es importante que desde dentro surjan estos procesos de crear memoria con las comunidades y para ellas.

Finalmente, ¿cuáles son los planes a futuro que tienen y dónde los podemos encontrar para seguir su trabajo?

En el futuro pensamos seguir con este proceso a través de la Escuela de Creación Documental. Tenemos los semilleros creativos, que son espacios para compartir con jóvenes y niños en que replicamos todo lo que hemos aprendido durante estos años a la gente del campo. Seguiremos con los cineclubes y espacios con las comunidades y la Red de Biodiversidad con que llevamos dos años trabajando. Para los que nos quieran seguir, pueden encontrarnos en todas las plataformas digitales como Producciones El Retorno.

Foto: María Alejandra Cardona Aizpurúa, miembro del Semillero Óptico. En el extremo derecho se encuentra César Daza, y en el izquierdo, Julián David Nava.