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Si nosotros queremos conocer el territorio, nosotros mismos debemos honrar esa memoria y saber qué hay en nuestra comunidad para poder defenderlo

Julián David Nava Zuluaga, miembro de Producciones El Retorno.

 

 

La historia está compuesta en gran parte por discursos hegemónicos contados por citadinos que narran a las víctimas de las problemáticas en sus relatos. Producciones El Retorno es un grupo apoyado por la Asociación Campesina de Antioquia (ACA), quien por medio de su Escuela de Creación Audiovisual ha buscado darle un giro de tuerca a esta dinámica, haciendo que esos “otros” se narren a sí mismos y a su territorio, y con ello desdibujando esa imagen de víctimas que se les ha impuesto, para mostrarlos como los protagonistas y contadores de su propia realidad.

 

Esta propuesta audiovisual tuvo la oportunidad de mostrar tres relatos de su serie documental Memoria y Territorio (2015) en el 4to Festival de Cine de Jardín, en el que los realizadores César Daza y Julián Nava, realizadores documentales oriundos del municipio de San Francisco, junto con uno de sus guías en este proceso, hablaron sobre su proyecto.

 

Producciones El Retorno nació en el año 2003 a raíz de la preocupación que existía por el desplazamiento masivo en el campo y por la necesidad de los campesinos de volver a sus tierras. Desde entonces, El Retorno ha trabajado de la mano con estas personas para que se narren a sí mismas audiovisualmente, para recuperar el tejido social del sector rural.

 

Esta conversación con uno de los jóvenes realizadores del oriente antioqueño, Julián David Nava Zuluaga, ofrece una idea más amplia y cercana de este proyecto y de su significado para él y su municipio.

 

¿Cómo inició tu trayecto en este proyecto de Producciones El Retorno?

 

Me hicieron la invitación desde el área de comunicaciones de la Asociación para formar parte del proceso al ser un joven amante de los aparatos electrónicos. Inmediatamente dije que sí, ¿por qué no? Mis compañeros empezaron el año 2008, yo lo hice en el 2011; ellos duraron dos años sin tocar una cámara, estaban en talleres de formación; yo pude entrar grabando y solo con el conocimiento de saber qué era una cámara y para qué servía.

 

¿Qué ha significado para ti poder conocer tu territorio a través de la cámara?, ¿lo has visto diferente a través del lente?

 

Conocer el territorio a través de las cámaras me ha permitido entender no solo el espacio físico. He caminado las tierras de mis ancestros como en el documental Por las huellas de los abuelos (2013). Los jóvenes que fuimos conocimos los caminos que transitaban nuestros antepasados y nos dimos cuenta del esfuerzo que hacían para construir las comunidades a través de caminos lejanos y en una geografía difícil para caminar, inclusive para respirar.

 

He podido conocer el territorio a través de sus relatos. Las personas que están a nuestro lado tienen muchas historias por contar que no se conocen si no preguntamos y no investigamos cómo era todo antes y qué podemos aprender del pasado.

 

¿Cómo ha impacto este proceso de memoria audiovisual en el municipio?

 

Desde las comunidades nos hemos ido dando a conocer porque trabajamos con ellas y deben saber lo que hacemos. Vamos donde están, les contamos qué vamos a hacer y les hacemos proyecciones. Al principio las comunidades eran más reacias, nos decían “no me ponga esa cámara ahí”, “no me gustan estas cosas, ¿para qué?”, pero con el tiempo ha ido cambiando su forma de vernos, y ya hasta las mismas comunidades nos llaman, nos invitan a grabar, a proyectar una película, etcétera, y eso nos gusta.

 

¿Sientes que la gente del campo quiere contarse y trabajar la memoria?

 

Mi municipio está trabajando la memoria desde la Sociedad Campesina de Antioquia, específicamente desde el área de comunicaciones. Ha habido muchos procesos llevados a cabo a raíz de la violencia, pero siempre fue eso; se sabe que se ha perdido mucho tejido social y muchas historias por el conflicto armado.

 

San Francisco tenía una población aproximada de 12.000 habitantes y después del desplazamiento masivo pasó a tener solamente 4.000 habitantes. Muchas personas no lo saben, por eso el ejercicio de crear memoria es importante para las comunidades, porque no solo sirve para aprender, sino para que las nuevas generaciones puedan también conocer lo que pasó.

 

En el conversatorio mencionaste que no quieren hablar más en estos documentales sobre el conflicto, ¿por qué te parece importe que se hable o no se hable sobre violencia?

 

En cuanto a la guerra siempre va a ser importante recordar lo que pasó, la frase de “el que no conoce su historia está condenado a repetirla” es cierta, pero pasa que las comunidades muchas veces dicen: “Hey, no queremos ver más violencia, estamos cansados”, y nosotros hemos decidido optar por otros medios de memoria: conocer las historias que esconden las comunidades, los viejos, relatos como el que nos contaba una señora de cómo antes bailaban los hombres con los hombres y entre las mujeres no se veía, y que ahora las mujeres bailan igual. Yo nunca me hubiera imaginado a los hombres bailando entre ellos, yo los creía más conservadores, y si no nos damos a la tarea de contar estas historias, no podremos conocerlas.

 

Ustedes están haciendo el ejercicio de contarse desde el territorio, no por medio de alguien ajeno, ¿por qué es importante que ustedes mismos se narren y que se descentralice el cine para mostrarlo desde varios sectores?

 

Eso siempre nos lo hemos preguntado y hemos llegado a la conclusión de que son los de fuera, los de la ciudad, e incluso los extranjeros los que conocen más lo que hay en el territorio que lo que nosotros conocemos en realidad; por ejemplo, específicamente hablando de la biodiversidad, nosotros estamos acostumbrados a ver el mismo pájaro todos los días y se vuelve parte de la rutina, pero llega un extranjero y nos explica qué significa ese pájaro y su importancia, cosa que no sabíamos antes. Por eso, si nosotros queremos conocer el territorio, nosotros mismos debemos honrar esa memoria y saber qué hay en nuestra comunidad para poder defenderlo.

 

Si viene alguien de afuera, poder decirle que nosotros ya sabemos y entendemos cómo funciona nuestra tierra. No que vengan y nos llenen de talleres y hagan trabajos para alimentar su conocimiento, se vayan y nos dejen. Eso pasa, dejan las comunidades, por eso es importante que desde dentro surjan estos procesos de crear memoria con las comunidades y para ellas.

 

Finalmente, ¿cuáles son los planes a futuro que tienen y dónde los podemos encontrar para seguir su trabajo?

En el futuro pensamos seguir con este proceso a través de la Escuela de Creación Documental. Tenemos los semilleros creativos, que son espacios para compartir con jóvenes y niños en que replicamos todo lo que hemos aprendido durante estos años a la gente del campo. Seguiremos con los cineclubes y espacios con las comunidades y la Red de Biodiversidad con que llevamos dos años trabajando. Para los que nos quieran seguir, pueden encontrarnos en todas las plataformas digitales como Producciones El Retorno.

 

 

 

Foto: María Alejandra Cardona Aizpurúa, miembro del Semillero Óptico. En el extremo derecho se encuentra César Daza, y en el izquierdo, Julián David Nava.

 

 

 

Jinete de ballenas (2002). Cortesía Mubi.

 

Jinete de ballenas (2002) hizo parte de una selección de 12 producciones extranjeras que integraron la Muestra Central del 4to Festival de Cine en Jardín: Cine y patrimonio, maneras de encontrarnos. Producciones como Toda la memoria del mundo (1956) y Museo (2018) también hicieron parte de la muestra.

 

De entrada, con un póster de una infante cuyo rostro es adornado por un símbolo y una banda alrededor de su cabeza, Jinete de ballenas parece una prometedora película sobre una tribu indígena que habita en el corazón de la selva y realiza prácticas primitivas (todo un cliché), pero resulta un poco alejado de lo que realmente es. El escenario central de la película es un pequeño poblado en la costa oriental de Nueva Zelanda, habitado por aborígenes de la tribu Whangara que creen descender de Paikea, un ancestro milenario que escapó de la muerte montando en el lomo de una ballena.

 

Esta producción fílmica de ‘Niki’ Caro es protagonizada por Keisha Castle-Hughes, quien, encarnando el papel de Paikea (‘Pai’) Apirana -una niña de 11 años- guiará al espectador por esta historia con tintes de drama y comedia que desde el principio nos revela el conflicto interno y familiar de la infante. Al momento de nacer, su madre y hermano gemelo mueren, su padre abandona la villa y ella debe permanecer con sus abuelos. A medida que crece, Pai comprende amargamente que, muy a pesar de la crianza y el cariño que le ha brindado por años, su abuelo le guarda rencor y la culpa por el infortunio de su pueblo al haber interrumpido la línea de hijos primogénitos destinados a gobernar.

 

Para ganarse el cariño y reconocimiento de su abuelo (‘Koro’), ‘Pai’ tendrá que “romper” cada tradición y descubrir el poder que reside en ella, no solo para ser jinete de ballenas, sino para unir nuevamente a una familia dividida durante 11 años y enseñar a su comunidad que las costumbres no deben ser una fórmula imposible de cuestionar o transformar.

 

A través de una armónica combinación entre realidad y mística -en ningún momento la imagen parece tan desfasada como para no ser posible, aunque el espectador sabe que no corresponde a la realidad-, el filme revela al espectador una lucha entre valores tradicionales que se establecieron como absolutos y las nuevas generaciones que alzan su voz y piden participación en la sociedad que les tocó vivir o padecer, según como se mire. No muy distinto a lo que ocurre ahora en diferentes países alrededor del mundo en los que las mujeres exigen participación política y la comunidad LGTBI reclama igualdad de derechos.

 

En el desarrollo de la narración se aprecian tres generaciones que tratan de coexistir, cada una con una manera de ver el mundo: un abuelo que se aferra con religiosidad a las enseñanzas de ancestros míticos que durante años han guiado las costumbres y normas sociales de la comunidad maorí; un hijo que, tras cuestionar dichas tradiciones y buscando huir de su padre, abandona el lugar de origen; y una nieta cuya intención es probar que es digna de tomar el papel de líder para continuar el legado de sus ancestros y, así, demostrar que su nacimiento no fue un simple error. El valor y perseverancia de ‘Pai’ serán sus mayores pilares para confrontar un mundo en el que, si bien las mujeres desempeñan roles importantes (educación), los hombres adquieren mayor protagonismo en sociedad y son quienes toman las decisiones de la comunidad.

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Imagen: MAGO Films

 

La Ciénaga, entre el mar y la tierra (2016) es una película colombiana que fue proyectada con la presencia de sus protagonistas, Vicky Hernández y Manolo Cruz, en la Sección Especial del 4to Festival de Cine de Jardín. Esta obra es la ópera prima de Manolo, quien codirige el largometraje con Carlos Castillo. A su vez, Manolo escribió la obra y la protagonizó junto con Hernández, quien se había soñado desde el principio para que desempeñara el papel de su madre en la producción. En su estreno oficial, este filme fue abrazado por el público y la academia, recibiendo entre los galardones más importantes el premio al Mejor drama internacional en el Sundance Film Festival.

 

A pesar del gran recibimiento internacional de la obra, esta película no ha visto la luz en la cartelera de los cines del país debido a un lío de derechos de autor entre los directores. La sentencia sobre la autoría de la producción, en que se reconoce a Cruz y Castillo como coautores de la obra, salió por fin este mes y con ella es probable que se rompa el ciclo de tres años en el que no ha podido estrenarse debidamente la película.

 

La historia transcurre en las orillas del mar en la ciénaga de Santa Marta y nos regala un drama potente a través de la historia de Alberto, un muchacho que no solo habita en una casa improvisada de madera por encima del agua como el resto de sus vecinos, sino que también es un muchacho huérfano de padre y con movilidad reducida que lo ha confinado a una cama; su única puerta al mundo exterior es un espejo que le permite ver por encima de su ventana, un cuaderno de dibujo y las visitas de su madre Rosa, encarnada por Vicky Hernández y su amiga de la infancia Giselle, interpretada por la joven actriz Viviana Serna.

 

A pesar de ser una película grabada en la costa colombiana, la obra no ejemplifica a las películas costeñas adornadas con vallenato y risas, por el contrario, es un film rodeado por el sonido de las olas, los silencios y una música orquestal que acompaña a Alberto en sus dificultades físicas y espirituales.

 

La relación entre el protagonista y su madre Rosa es fundamental en el desarrollo de la historia. Ambos comparten un vínculo emocional y físico que muestra una necesidad mutua de tenerse el uno al otro. Alberto no puede hacer nada sin que su madre le ayude a moverse, pero sin la compañía de Alberto, Rosa probablemente tampoco podría sobrevivir, porque todo lo que hace es para su hijo. Ambos viven por el otro.

 

La actuación que Manolo y Vicky desempeñan para mostrar esta atadura y sus grandes dificultades es interpretada con agudeza. Manolo consigue exteriorizar toda su agonía a través de sus gestos y movimientos, sin decir una palabra y Vicky muestra una madre entregada a su hijo, quien ha sido golpeada por la vida por medio de una actuación maternal. Estos dos personajes comparten una conexión visible, que los mismos protagonistas afirmaron que se había generado de forma natural entre ellos a nivel actoral.

 

Por momentos, la historia parecería que muestra un drama extremadamente triste en el que casi todo el relato transcurre en la casa de Alberto, pero los momentos de felicidad le dan dinamismo a la película con situaciones favorables que matizan el drama. Estos momentos son generados principalmente por el personaje de Giselle, quien le da alegría a Alberto y quien le causa sentimientos de amor y lujuria.

 

Esta última situación refleja un conflicto difícil de tratar a nivel cinematográfico, puesto que se refleja la realidad de una persona encerrada por su cuerpo, pero que siente y piensa al igual que el resto de las personas. Esta atadura es reflejada en Alberto y causa en él un gran desasosiego.

 

La orilla del mar da comienzo y final a la historia, es la que les da todo a los personajes y la que a su vez les quita lo que aman, con lo que queda en evidencia una relación que se tensiona entre el apego por el otro y el vacío propio, para lo cual la película plantea un final que reta a madre e hijo.

 

 

 

 

“Los festivales promueven y desarrollan sentido de pertenencia en las poblaciones, les genera la necesidad de sentirse vistos, parte del mundo y presentes en la época actual”, sostuvo la actriz Vicky Hernández, durante el 4to. Festival de cine de Jardín.

 

Esta protagonista de la historia del cine en nuestro país dio testimonio de su entereza y de su notable trayectoria actoral, que incluye casi todas las películas, novelas y series de mayor envergadura que se han realizado en Colombia: desde La Estrategia del Caracol (1993), Confesión a Laura (1991), Azúcar (1989), La casa de las dos palmas (1990) hasta la reciente producción en la que participó, Ciénaga, entre el mar y la tierra (2016).

 

Vicky Hernández tiene un lugar histórico en el cine y la televisión colombiana no solo por su talento sino por ser una voz con alto sentido crítico sobre los retos y logros de la industria audiovisual colombiana. Foto: Santiago Gallego. Semillero Óptico Audiovisual.

 

Los 73 años de Vicky Hernández no han pasado en vano, en ellos se encuentran un sinfín de historias, experiencias y relatos de vida. Ha hecho parte de películas que conforman parte del patrimonio fílmico de Colombia, y además ha hecho parte de la búsqueda por conseguir una industria fílmica nacional más justa, asequible y desarrollada.

 

¿Qué permanece como una constante en el cine colombiano y que ha cambiado a través de los años?

 

Algo que permanece como una constante en el cine del país es la intención de encontrar un lenguaje que nos represente y que nos muestre, a pesar de que a veces las temáticas se repitan o intenten imitar a las grandes producciones de otros países de una manera mecánica y automática; creo que sigue existiendo una búsqueda por encontrar nuestras propias historias, nuestra propia voz; relatos que den cuenta de nuestra presencia en el mundo.

 

Por otro lado, ha habido un gran desarrollo en lo técnico. Ya hay una serie de personas formadas, cualificadas y calificadas en los distintos rubros de la producción cinematográfica: en producción ejecutiva y de campo, en manejo de decoración, escenarios, vestuario etc., pero la falencia más grande sigue estando en los guiones, la puesta en escena y la actuación.

 

Hablando de industria, ¿le parece qué podríamos decir que en Colombia hay una industria cinematográfica?

 

No hay una industria cinematográfica desarrollada, apenas es incipiente, está desarrollándose. Para que se pueda llamar industria tiene que haber un desarrollo coherente y consecuente con todos los niveles de trabajo cinematográfico: la construcción de infraestructura, de estudios, el personal capacitado, actores, directores y guionistas; es necesario que haya más dinámica en la resolución, distribución y exhibición.

 

Debe haber una conexión y una consecuencialidad en el desarrollo y educación del público; se debe facilitar el acceso del público a las películas colombianas, ya sea porque la publicidad, los costos y la difusión ayuden a que ese público acuda a las salas. Tiene que venir casi que desde las escuelas primarias una educación que integre a la gente, que sea vinculante, no excluyente sino incluyente, que presente los fenómenos artísticos como parte del desarrollo de la sociedad, como una necesidad de espiritual, intelectual y material.

 

Tiene que existir oferta y demanda. La gente está mal educada, acostumbrada solo a ver cine de acción y películas extranjeras y no sabemos lo que es nuestro, apenas ahora estamos empezando a oír el español, los modismos y los giros idiomáticos que existen.

 

Todo es un proceso, pero ahora no podemos hablar de industria. Se están produciendo actualmente muchas más películas, pero no hay un nivel parejo, no se pueden producir 30 o 40 películas y realmente muy pocas tienen una gran difusión. La mayoría no son consumidas por el público.

 

Desde hace un tiempo se ha intentado descentralizar los festivales de cine, llevándolos a pueblos, ¿cómo ve usted este intento por llevar el cine a zonas rurales y apartadas?

 

Es importantísimo, los festivales promueven y desarrollan sentido de pertenencia en las poblaciones, les genera la necesidad de sentirse vistos, parte del mundo y presentes en la época actual.

Los festivales son buenos porque hay intercambio, conocimiento de distintos sectores y dan a conocer producciones de ahora o del pasado que no han tenido buena difusión; en ellos se tratan temas pedagógicos, académicos, además de distintitas temáticas en charlas y conferencias. Son una maravilla y aunque sean descentralizados y pequeños tienen la participación de los jóvenes, los adultos, los viejos y los niños.

 

¿Cuál fue la película del siglo pasado que más la marcó?

 

Son muchas las películas que me han impactado de diferentes géneros, con el tiempo se vuelven a ver y se encuentran otros aspectos importantes, como en El acorazado (1925), La bella y la bestia (1946), Abbott y Costello, Buster Keaton, material de esa época en que se encuentra gran riqueza, pero van cambiando los puntos de vista con el desarrollo que se tiene como persona y posiblemente como artista.

 

¿Cuál ha sido el personaje que ha representado que más la ha marcado?

 

No podría decir. Cada personaje es un reto, es un mundo y tiene unas necesidades, unas carencias y unas posibilidades distintas. Depende si es cinematográfico, televisivo o teatral, todos esos medios hacen que el contexto sea distinto.

 

Hay personajes que se hacen de una manera entrañable, uno los quisiera repetir para mejorarlos; hay películas que me encantaría volver a hacer ahora que estoy más vieja y que sé cómo es la vida.

 

¿Qué películas, Vicky?

Confesión a Laura, por ejemplo, quisiera volver a hacerla, o todas yo creo en el fondo, porque ya sé qué sería lo mejor para hacer y lo que no.

 

¿En Confesión a Laura que cambio le daría?

Muchas cosas, en el enfoque y el espíritu; si hiciera el mismo guion, si sucediera, podría establecer parámetros, quizá hacer ese mismo personaje, pero ya viejo, con más años de los que tenía en ese momento. Ese podría ser un juego bonito.

 

Usted como actriz se ha formado de múltiples formas, pero además de la parte académica y práctica, ¿cómo se nutre para seguir desarrollándose en este mundo de la actuación?

 

A pesar de que no comprendo muchas cosas por momentos y me desilusiono, lo que me ha mantenido donde estoy es que amo este trabajo, me encanta, no sé hacer otra cosa y nunca he hecho otra cosa; siempre se puede aprender de los personajes, de las historias, de la vida, de los pueblos, siempre es nuevo.

 

¿Qué aconsejaría a los jóvenes universitarios que tienen deseo de comunicar de distintas formas?

Que la vida siempre alcanza para hacer lo que hay que hacer, que no tengan prisa y que dejen el culiprontismo, que trabajen fuerte, que luchen por las cosas, no crean que todo es “mamey” y, sobre todo, que no piensen que saben todo; las personas cuando somos jóvenes creemos que sabemos todo, pero cuando llegamos a ser mayores nos damos cuenta que nunca aprendemos del todo lo que hay que aprender y que en el fondo no sabemos nada. Yo por lo menos sé eso.

 

Para finalizar, ¿cómo ve el futuro que se viene para el cine en el país?

 

 

Hay entusiasmo, hay facultades e intercambio intelectual para generar un ambiente propicio para el desarrollo cinematográfico. Lo veo esperanzador. Hay que tener esperanza.